音色（Tone colour），是音樂家們，尤其是演奏家常常掛在嘴邊的名詞。音樂表演（或稱作音樂表現）中，音高音準、時值節奏、力度的強弱是比較容易把握的，甚至可以說有著相對客觀的標準。而這音色就比較麻煩，情況復雜得多。

音色的物理屬性不難了解，顯然這里提出的這個命題不是物理性質的音色，而是指音樂表現和音樂接受上的音色。因為在音樂表現上對音色的理解很難做客觀描述，主觀色彩過重，常常令人迷惑。尤其是對于同一種樂器的演奏和聆聽，常常是云里霧里，難以琢磨。然而，在音樂實踐中音色又被強調到無以復加，似乎可以觸手可及。偶爾有機會詢問演奏家對音色的掌握與解釋，大多都是語焉不詳，而音樂學習者對此的反應更是一臉的懵懂。到底怎么回事？

也許是音色的概念太過于籠統，人們才容易在音樂表演和審美中產生困惑。如果音色指的是聲音的特性，即中學物理課程的概念，那是比較容易說清楚的，聲音的物理屬性（attribute），決定于物體（樂器）振動方式和聲波的傳播，可以通過考察聲波或者頻譜得到細致客觀的數據，即考察聲音信號在時域和頻域上的函數值。可是，這么解釋音色顯然不符合我們的音樂經驗。對于音樂來說，音色可以指樂器的音質（Timbre），或者音品，是音樂性的基礎。譬如對某一樂器聲音質地的評價、對某人的聲音條件是否優越等，主要是看發聲時基礎音和泛音列的組合情形。傳統音樂觀念中，音樂天然地追求美好的聲音，最基本的要求就是音質，而這音質當然也就是音色問題了。問題在于，談論音樂的語境中，音色顯然不僅是指物理屬性，也不是對音質的基礎性認知，而是音樂屬性（musicality），或者說是藝術性的音色。這個就是比較主觀的概念了，也是容易讓人困惑的地方。

那么，在音樂實踐中藝術性的音色是如何呈現和變化的呢？雖然單一聲音也有音色的辨識度，由基礎音和諧波不同的分布所決定，譬如不同的樂器、音區有客觀的音色，但我們一般認為單一聲音構不成音樂意義的聲音，只有音與音的結合才有可能形成音樂。音樂中的音色，比較容易把握的是對音樂的和聲色彩描述，比如調性和弦的明亮與黯淡，表現為三個或四個音組合后產生的“色彩”效果。在調性的前提下，確實能體會到“色彩”的明顯對比。當然，這一定是伴隨著調性和聲體系的功能性理解，不是純然的音感色彩。進而言之，音樂的旋律調性所產生色彩也更容易感知和理解。但是，調性色彩容易體驗感知卻難以言說，類似于“味道”一詞在美食中的表述。音樂曲調所造成的音程關系和變化，也就是旋律進行中的張弛，會自然地引起審美心理的緊張度。不同音樂文化在音樂語言上的色彩差別就是在調性體系中音的相互關系中得以體現。即不管是和聲進行還是旋律進行的緊張度，都是在對比變化中產生音樂的色彩意義。

因此常常在理論和實踐中將這種色彩感覺導向音樂的表現意味，再因音樂的表現沒有語義性而導向情緒和情感內容。將音樂色彩與情感色彩做關聯和比照，從而讓音樂的演奏和接受有了細膩入微的描述和表達，也是所謂的藝術魅力呈現方式之一。音樂表現中的暖色調和冷色調，其實在很大程度上也是一種很感性的表達，與人們的心緒、情感緊密關聯。由此，我們可以認為，音樂的藝術性音色表達，其實也是一種情感表達的“對應物”（counterpart）。很多音樂老師在強調音色變化時常常不自覺地使用表情術語，就不足為奇了。

追求音色的目的是什么? 演奏家常說，能不能讓音樂吸引人，關鍵在于音色。聽起來很高級，可是要貫徹人們對音色的想象是非常困難的。那么，音色的要求是不是僅為一種個性追求？或者說是一種聲音的辨識度而已？事實上，我們在崇拜某些演奏（歌唱）家和樂隊（合唱隊）的演奏時，確實在追求某種特定的音樂表達模式和音響質感，卻很難做出客觀、理性的解釋。由于音色的主觀色彩很強，又因為音色獲得的途徑很復雜，也給音樂表現帶來難以琢磨的神秘色彩。藝術經驗（演奏、演唱和聆聽）不同的人，對于音色不太容易在同一個頻道上做順暢交流。所以我們常常聽到老師對學生強調什么音色的時候，學生陷入迷茫。

音樂史告訴我們，傳統藝術音樂經過幾百年的發展、定型、膨脹之后，音樂的創新之路愈加艱難。從20世紀初開始，作曲家們便無不在音色上探索音樂的無窮魅力。一個比一個認真，一個比一個迷狂，有追求和聲曼妙的德彪西，有發明色彩樂器的斯科里亞賓，更有利蓋蒂等搗鼓電子音樂企圖將音樂視覺化，樂此不疲地創造“色彩音樂”，可惜后來發現此路并不通暢。在筆者看來，無論自然現象還是藝術創造，一定要符合一定的“道”（規律）才會產生美，而這“道”的解釋也一定有其數學模型。這里絲毫不懷疑音樂家們對音色的敏感和探索，只是目前人們的感性智慧和理性的數學模型尚未結合起來，苦煞追求色彩美的求道者。

在一篇短文里討論音色的問題顯然捉襟見肘，甚至是隔靴搔癢。之所以提出這么個論題，旨在拋磚引玉，引發大家的思考，希望方家學者來回答這個問題，解除人們的困惑，尤其是音樂學習者面對老師和專家的音色要求時的不知所措。